클로드 모네의 가장 유명한 작품 중 하나인 "양귀비"(1873)에서 본 오르세 미술관. 그러나 당시 그녀는 그것을 제대로 보지 않았다. 나는 팬으로서 인상주의,이 박물관에있는 모든 걸작에서 눈이 막 뛰었습니다!

물론 나중에 나는 이미 "마키"를 제대로 고려했습니다. 그리고 나는 박물관에서 몇 가지 흥미로운 세부 사항을 눈치 채지 못했다는 것을 알았습니다. 이 그림을 자세히 보면 적어도 세 가지 질문이 있을 것입니다.

1. 양귀비는 왜 이렇게 커요?
2. 모네는 왜 거의 동일한 두 쌍의 인물을 묘사했습니까?
3. 작가는 왜 그림에 하늘을 그리지 않았을까?

이 질문에 순서대로 답하겠습니다.

1. 양귀비는 왜 그렇게 큰가요?

양귀비는 매우 크게 표시됩니다. 그들 대부분은 묘사 된 아이의 머리 크기입니다. 그리고 배경에서 양귀비를 가져다가 전경의 인물에 더 가까이 가져 가면 아이와 묘사 된 여성의 머리보다 훨씬 커집니다. 왜 그렇게 비현실적입니까?

제 생각에는 Monet은 의도적으로 양귀비의 크기를 늘 렸습니다. 이것이 그가 묘사 된 물체의 사실감보다는 생생한 시각적 인상을 전달하는 것을 다시 한 번 선호하는 방법입니다.

그런데 여기에서 그의 후기 작품에서 수련을 묘사하는 기법과 평행을 이룰 수 있습니다.

명확성을 위해 다른 연도(1899-1926)의 수련이 있는 그림 조각을 살펴보십시오. 위의 작품이 가장 초기 작품(1899년), 아래 작품이 최신 작품(1926년)입니다. 분명히 시간이 지남에 따라 수련은 점점 더 추상적이고 덜 상세해졌습니다.

분명히 "양귀비"- 이것은 모네의 후기 그림에서 추상 미술이 우세하다는 선구자 일뿐입니다.

클로드 모네의 그림들. 1. 왼쪽 위: 수련. 1899 D. 개인 소장. 2. 오른쪽 위: 수련. 1908 D. 개인 소장. 3. 중앙: 수련이 있는 연못. 1919 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕. 4. 아래: 백합. 1926 넬슨-앳킨스 미술관, 캔자스시티.

2. 그림에 같은 모양이 두 쌍 있는 이유는 무엇입니까?

Monet이 자신의 그림에서 움직임을 보여주는 것도 중요했음이 밝혀졌습니다. 그는 마치 두 쌍의 인물 사이에 밟힌 것처럼 꽃 사이의 언덕에서 거의 보이지 않는 길을 묘사하는 특이한 방식으로 이것을 달성했습니다.

양귀비가 있는 언덕 아래에는 그의 아내 카미유와 아들 장이 그려져 있습니다. 카밀라는 전통적으로 그림 "우산을 든 여인"처럼 녹색 우산으로 묘사됩니다.

위층 언덕에는 카밀라와 그녀의 아들이 포즈를 취했을 가능성이 가장 높은 여성과 어린이의 또 다른 커플이 있습니다. 따라서 두 쌍은 유사합니다.

언덕 위의 이 한 쌍의 인물은 아마도 모네가 열망했던 움직임의 시각적 효과를 위해서만 묘사됩니다.

3. 모네는 왜 하늘을 그리지 않았나요?

에서 또 다른 주목할만한 순간 그림: 왼쪽 캔버스의 노출된 영역까지 하늘이 얼마나 심하게 그려져 있는지 확인합니다.

문제는 바로 인상주의 기법에 있다고 가정할 수 있습니다. 모네는 하루 중 특정 순간에 빛과 색상의 유희를 묘사하기 위해 몇 시간, 심지어 몇 분 만에 그림을 그렸습니다. 따라서 풍경의 모든 요소에 대해 항상 충분한 시간이 있는 것은 아닙니다. 모든 세부 사항을 작업하는 것은 야외 작업이 아닌 많은 스튜디오 작업입니다.

그건 그렇고, 그림 "양귀비"는 1874 년 인상파의 첫 번째 전시회에서도 전시되었으며 기사에서 자세히 썼습니다. 회화에서 인상주의의 탄생으로서의 모네의 "인상".

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댓글 다른 독자들 아래 참조. 그들은 종종 기사에 좋은 추가 사항입니다. 그림과 작가에 대한 의견을 공유하고 작가에게 질문을 할 수도 있습니다.