아트 아카이브 추천 아티스트: Ann Kullaf

아트 아카이브에서 아티스트를 만나보세요. 시각적으로 매력적인 정물화와 풍경화를 그리는 화가인 Anne은 눈에 보이는 것 이상을 묘사하기 위해 노력합니다. 그녀의 역동적인 스타일은 보는 이로 하여금 평범한 장면과 사물을 두 번 보게 만들며 시선을 사로잡는다.

이러한 열정은 그녀의 작업을 추진하고 결과적으로 그녀의 뛰어난 교육 경력과 인기 있는 소셜 미디어 계정을 촉진합니다. 마지막 순간에 워크샵을 홍보하는 것부터 자신의 기술을 시연하는 것까지 Anne은 교육과 소셜 미디어가 예술 비즈니스 전략을 어떻게 보완하는지 능숙하게 보여줍니다.

예술품 판매는 시작일 뿐이라고 믿는 그녀는 소셜 미디어 마케팅 팁과 학교 밖에서 예술가가 되는 방법에 대해 학생들에게 가르치는 내용을 공유합니다.

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1. 귀하의 작품은 주로 정물화와 풍경화입니다. 이 주제에 관해 어떤 영감을 얻었으며 어떻게 이 주제에 집중하게 되었나요?

나는 시각적으로 중요하지 않을 수도 있는 것들을 시각적으로 흥미롭다고 생각합니다. 나는 추상적인 시선으로 세상을 바라본다. 나는 주제에 관계없이 같은 방식으로 일합니다. 나는 사진보다는 실물을 그리는 것을 선호하기 때문에 종종 정물화를 주제로 선택합니다. 나는 또한 훈련된 눈을 개발하는 수단으로서 직접적인 관찰(실생활에서 작업)의 중요성을 학생들에게 가르치는 수단으로 정물화를 사용합니다.

나는 그것이 무엇인지뿐만 아니라 각 항목에서 무엇을 얻을 수 있는지 살펴봅니다. 나는 보기에 즐거운 것을 만들고 싶다. 즉흥적이고 생기발랄해서 눈을 많이 움직이게 만드는 것. 시청자가 한 번 이상 보길 바랍니다. 나는 내 작품이 실제보다 더 많은 것을 보여주고 싶다.

저는 어렸을 때부터 그림을 그려왔고, 대학에서 미술을 공부했으며, 항상 순전히 시각적인 관점으로 사물을 바라봤습니다. 나는 흥미로운 모양, 조명, 그 주제를 다시 보고 싶게 만드는 모든 것을 찾습니다. 이것이 제가 그리는 것입니다. 그것들은 독특하거나 반드시 아름답지는 않을 수도 있지만, 나는 그것들에서 내가 보는 것이 그것들을 나에게 독특하게 만드는 것을 보여주려고 노력합니다.

2. 다양한 재료(수채화, 페인트, 아크릴, 오일 등)를 사용하여 작업하므로 예술을 현실적이고 인상적으로 만들 수 있습니다. 어떤 제품을 가장 좋아하고 그 이유는 무엇입니까?

나는 다양한 애플리케이션과 다양한 이유로 모든 환경을 좋아합니다. 나는 표현에 있어 수채화를 좋아한다. 저는 아이디어를 올바르게 얻은 다음 색상, 질감, 브러시 스트로크를 사용하여 다음 단계로 나아가는 것을 좋아합니다.

수채화는 예측할 수 없고 유동적입니다. 나는 각 획을 적으면서 일련의 반응으로 보는 것을 좋아합니다. 대부분의 수채화가와 달리 저는 먼저 연필로 대상을 그리지 않습니다. 나는 원하는 이미지를 만들기 위해 페인트를 이리저리 움직입니다. 또한 저는 수채화 기법을 사용하지 않고 붓을 사용하여 때로는 단색으로, 때로는 컬러로 칠합니다. 종이에 주제를 그리는 동시에 매체가 하는 일에 주의를 기울이는 것입니다.

캔버스나 종이에 물감을 바르는 방법은 피사체보다 더 중요하지는 않더라도 그만큼 중요합니다. 내 생각에 예술가는 응집력 있는 그림과 구성이라는 측면에서 훌륭한 구조부터 시작해야 하지만, 더 많은 것을 테이블에 가져와 관객에게 주제를 인식하는 방법을 보여줄 필요가 있다고 생각합니다.

무언가를 독특하게 만드는 것, 그것을 보고 싶게 만드는 것은 무형입니다. 작고 미세한 디테일보다는 몸짓과 순간에 더 가깝습니다. 제가 작업에 불어넣고 싶은 것은 바로 자발성, 빛, 진동에 대한 전체적인 아이디어입니다.

3. 예술가로서 당신의 방식을 어떻게 설명하시겠습니까? 스튜디오에서 일하는 것을 선호하시나요, 아니면 외부에 있는 것을 선호하시나요?

나는 가능할 때마다 항상 인생에서 일하는 것을 선호합니다. 안에 있으면 정물을 걸어 놓겠습니다. 나는 더 많은 것을 볼 수 있기 때문에 절대적으로 삶의 정물화를 그립니다. 이것은 더 어렵고 당신이 보고 있는 것을 보도록 눈을 훈련시킵니다. 인생에서 더 많은 것을 끌어낼수록 더 깊은 깊이를 얻을 수 있고 더 나은 초안가가 될 수 있습니다.

나는 야외에서 일하는 것을 좋아하기 때문에 가능할 때마다 현장에서 일하는 것을 좋아합니다. 실내에 있을 때는 대개 현장에서 조사한 내용을 바탕으로 작품을 스케치하고 몇 장의 매우 빠른 사진을 결합합니다. 하지만 저는 사진보다 연구에 더 많이 의존합니다. 사진은 단지 시작점일 뿐입니다. 그들은 평평하고 거기에 있을 필요가 없습니다. 큰 작품을 작업할 때는 현장에 있을 수 없지만 스케치북에 스케치를 해서 작업실로 가져갑니다. 저는 수채화 스케치를 좋아합니다.

인생에서 그림을 그리는 것은 매우 중요합니다. 특히 이제 막 그림을 그리기 시작한 사람들에게는 더욱 그렇습니다. 오랫동안 그림을 그려왔다면 사진을 찍어서 더 많은 것을 만들 수 있을 만큼 충분한 경험을 갖게 될 것입니다. 야심 찬 예술가가 사본을 찾으러갑니다. 나는 사진으로 작업하는 것을 용납하지 않으며 예술가들이 어휘에서 "복사"라는 단어를 삭제해야 한다고 생각합니다. 사진은 단지 시작점일 뿐입니다.

4. 무엇 기억에 남는 답변이 있습니다 당신은 할 일이 있나요?

나는 종종 사람들이 "와, 정말 생생하고, 너무 밝고, 진짜 에너지가 있다"라고 말하는 것을 듣습니다. 사람들은 내 도시 풍경에 대해 이렇게 말합니다. “그림 속으로 바로 걸어 들어갈 수도 있어요.” 그러한 대답은 나를 매우 행복하게 만듭니다. 제가 작품을 통해 꼭 말하고 싶은 것이 바로 이것이다.

이야기는 매우 생생하고 에너지로 가득 차 있습니다. 시청자는 반드시 이야기를 탐색하고 싶어해야 합니다. 나는 내 작업이 정적인 느낌을 받는 것도 원하지 않고, 사진처럼 보이는 것도 원하지 않습니다. 움직임이 많다는 말을 듣고 싶다. 멀어지면 이미지가 형성됩니다. 자세히 보면 색이 섞여있습니다. 올바른 위치에 값과 색상이 있으면 마법이 일어나는 곳입니다. 그것이 바로 그림이다.

이러한 스마트 아트 팁(또는 북마크 버튼)을 사용하려면 메모장과 연필을 준비해야 합니다.

5. 귀하는 인스타그램 구독자가 1,000명 이상, 페이스북 팬이 3,500명이 넘는 훌륭한 블로그를 보유하고 있습니다. 매주 게시물에 어떤 영향을 미치며, 소셜 미디어가 예술 사업 성장에 어떻게 도움이 되었나요?

나는 가르치는 일과 예술 사업을 분리하지 않습니다. 나는 그것을 내가 하는 일의 일부로 본다. 나는 수입의 일부를 강좌와 마스터 클래스에서 얻고 나머지 부분은 그림을 통해 얻습니다. 이 조합이 나의 예술 사업을 구성합니다. 나는 내 작업에 대한 인지도를 높이고, 사람들에게 작업을 소개하고, 잠재 학생을 유치하기 위해 소셜 미디어를 사용합니다.

워크숍을 채우기 위해 한두 명의 사람이 더 필요할 때 저는 페이스북에 글을 올립니다. 저는 주로 수업시간에 가르치는 과목에 대한 포스팅을 하기 때문에 사람들의 관심을 끌고 있습니다. 또한 잠재적인 수집가가 쇼를 보러 오기 때문에 내 게시물을 해당 지역에 타겟팅하면 사람들이 옵니다. 이렇게 하면 내가 모르는 사람들이 내 지역에 나타나게 되고 확실히 내 작업에 대한 인지도를 높이는 데 도움이 됩니다.

데모를 할 때마다 게시하기 때문에 소셜 미디어에 게시물이 너무 많습니다. 이를 통해 다른 예술가와 미래의 학생들에게 내가 무엇을 가르치는지, 주제에 어떻게 접근하는지, 마스터가 되기 위해 얼마나 많은 노력이 필요한지에 대한 아이디어를 제공합니다.

많은 초보자들은 자신이 무엇을 하고 있는지 아는 수준에 도달하기를 열망합니다. 그들은 언제 갤러리에 전시할 준비가 되는지 묻습니다. 갤러리 전시를 고려하기 전에 작품 본체를 만드는 데는 많은 시간과 끊임없는 노력이 필요합니다. 얼마나 많은 노력과 노력이 필요한지 알 수 있습니다.

또한 다음 단계로 나아가기 위해 노력하는 다른 아티스트에게 교육적인 콘텐츠도 게시합니다. 이는 그들에게 올바른 방향을 제시하고 향후 수업에서 나와 함께 일하는 데 관심을 갖게 만듭니다.

내 블로그 게시물을 진실되고 긍정적으로 유지하는 것은 나에게 정말 중요합니다. 초보 아티스트에게는 중요하지 않은 부분이 많기 때문에 이런 아티스트들에게 기본을 알려드리고 싶습니다.

6. 귀하는 뉴저지 미술 센터, 헌터돈 미술관 및 현대 미술 센터의 교수진입니다. 이것이 귀하의 예술 사업에 어떻게 적합합니까?

저는 항상 시연을 하고 가르치는 것을 예술 사업의 일부로 생각합니다. 제가 그린 최고의 그림 중 일부는 학생들을 가르칠 때 시연을 하면서 나온 것입니다.

나는 시연하는 것을 좋아합니다. 저는 학생들에게 스스로 사용할 수 있는 기술 세트를 제공하는 데 관심이 있습니다. 스튜디오에서 개인 시간을 보내는 것보다 학습에 중점을 둘 때 수업에서 더 많은 것을 얻을 수 있습니다.

나는 내 자신의 작업을 예로 사용합니다. 나는 학생들과 함께 여행을 떠난다. 나는 모든 수업을 시연으로 시작합니다. 보색이나 원근감, 구도 등 제가 데모에서 강조하는 컨셉이 항상 있어요.

나는 또한 야외 워크숍을 많이 가르치기 때문에 워크숍과 며칠간의 그림 그리기를 결합합니다. 저는 이번 여름에 아스펜에서 파스텔과 수채화를 가르칠 예정입니다. 나는 더 큰 프로젝트를 위해 돌아올 때 연구를 사용할 것입니다.

나는 동시에 말하고 그림을 그릴 수 있는데, 그것이 나를 혼란스럽게 하지 않습니다. 내 생각에 어떤 사람들은 이것에 문제가 있다고 생각합니다. 시연이 의미를 갖는 것이 중요합니다. 그것에 대해 이야기하고 집중할 수 있도록 염두에 두십시오. 이것이 당신이 하고 있는 일에서 매우 중요한 점인지 확인하십시오. 분명히 제가 커미션 작업을 하고 있다면 수업 시간에 작업을 하지 않을 것입니다. 나는 수업 시간에 더 큰 작품을 몇 개 만들었고 작은 작품을 만들어 판매했습니다. 가르치려면 할 수 있어야 합니다. 미술을 공부하는 학생들은 시각적 학습자입니다.

7. 교사로서 당신의 철학은 무엇이며 학생들이 기억하기를 바라는 가장 중요한 교훈은 무엇입니까?

진정성 있게 행동하세요. 자신 외에 다른 사람이 되려고 하지 마십시오. 당신에게 강점이 있는 것이 있다면 그것을 최대한 활용하십시오. 자신이 약한 부분이 있다면 그 부분을 해결하세요. 미술 수업이나 색상 혼합 워크샵을 들어보세요. 자신의 약점과 맞서 싸워야 한다는 사실을 받아들이고 그 약점을 이용하여 최선을 다하십시오.

당신을 흥분시키는 것에 충실하십시오. 나는 그림 그리기를 좋아하고 추상화를 좋아하지만, 그림을 너무 좋아하기 때문에 순수한 추상 예술가가 될 수는 없다고 생각합니다. 이것은 예술가로서 나에게 중요한 요소이다.

당신이 원하는 것이 아니라면 매출을 늘리기 위해 좀 더 현실적으로 그릴 것이라고 결정하지 마십시오. 당신에게 가장 동기를 부여하고 흥분시키는 것을 그려보세요. 이보다 적은 것은 최고의 작품이 아닙니다.

약점을 보완하고 강점을 강화하세요. 당신이 진정으로 관심을 갖고 있는 일을 추구하고 그것에 성공하세요. 모든 사람을 만족시킬 수는 없기 때문에 시장을 만족시키기 위해 변화하지 마십시오. 그래서 주문을 많이 안 받는 편이에요. 나는 다른 사람의 그림을 그려서 내 이름을 올리고 싶지 않습니다. 무언가를 그리는 데 관심이 없다면 하지 마세요. 예술가로서의 명성을 망칠 위험을 감수하는 것보다 그를 떠나는 것이 낫습니다.

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